Archive for 26 octubre 2007

Revista Butaca Nº 32

octubre 26, 2007

nota de prensa

BUTACA amplia su difusión al presentar un espacio virtual http://www.butacaenlinea.tk/ donde se difundirán: información, noticias y temas de actualidad del cine.
BUTACA presenta para este número 32 el tema LA PRODUCCIÓN, enfocada desde diferentes ángulos, a través de entrevistas y recuentos de experiencias vividas por algunos de los más importantes cineastas del país.

Tenemos en este número el valioso aporte de las reflexiones de Armando Robles Godoy sobre el cine de autor y un profundo recorrido a través de la trayectoria y experiencia de Stefan Kaspar, uno de los fundadores del activo Grupo Chaski, además de un homenaje al cineasta y poeta José Watanabe y un sentido recuerdo de Federico García Hurtado sobre su amigo el legendario Huanca Villanueva. En la sección OJOS DE VER una entrevista esclarecedora a Jorge Delgado, presidente de la Sociedad Peruana de la Industria Audiovisual (SPIA).

También BUTACA nos informa sobre la 60° edición del Festival de Cannes realizado por nuestra corresponsal Roxana Torres-García Naranjo. En FLASH BACK el maestro Luis Buñuel reflexiona sobre el cine como instrumento de poesía, presentamos además un convincente artículo de Lino Micchiche, crítico italiano y ex presidente de la FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica) fallecido en el año 2004.

En TECNOLOGÍA, Orlando Macchiavello desarrolla un tema importante al comparar, en términos de calidad de resolución fotográfica, el soporte celuloide y el digital. Como ya es habitual, nuestra revista trae también el comentario crítico de alguno de los films más importantes exhibidos en nuestro medio y otras notas de interés. Cerramos con Christian Metz y sus claros criterios sobre censura.

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Primer Festival Nacional de Cine Independiente

octubre 26, 2007

nota de prensa

Cine Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, como parte de su labor y compromiso de brindar un espacio de difusión cinematográfica alternativa para nuestra sociedad, realiza el Primer Festival Nacional de Cine Independiente1er. FENACI-, el 14, 15 y 16 de noviembre del 2007 en el auditorio de Petroperú sito en Paseo de la República 3361, San Isidro.

Desde hace algunos años una ola de cineastas independientes ha emergido desde Lima y, sobre todo, del interior del país. Un cine alternativo que toca temas de tradición, cultura y coyuntura se ha ido manifestando silenciosa y paulatinamente en nuestras salas de cine club o centros culturales de Lima, quienes han promovido la difusión de estas esmeradas y logradas realizaciones.

La proyección de estas películas en este 1er. FENACI tiene como propósito buscar difundir la producción cinematográfica y audiovisual independiente, así también, pretende propiciar espacios de intercambio cultural, conocimiento e información a través de este arte con el fin de generar reflexión, el encuentro de nuestra identidad y la integración de nuestro país.

En el FENACI se exhibirán los siguientes largometrajes:

Los Taitas (Cajamarca), de Héctor Marreros
Good bye Pachacutec (Lima), de Federico Gabriel García
Los caciques (Cajamarca), de Héctor Marreros
El tunche (Huancayo), de Nilo Inga
Milagroso Udilberto Vasquez(Cajamarca), de Héctor Marreros
Los actores (La Libertad), de Omar Forero
Sangre y tradición (Huancayo), de Nilo Inga
El Huerfanito (Puno), de Flaviano Quispe
El misterio del Kharisiri(Puno), de Henry Vallejo
El encuentro de dos mundos(Cajamarca), de Héctor Marreros
Incesto en los Andes: La maldición de los Jarcachas (Ayacucho), de Palito Ortega
Que vida fue la mía (Lima), de Walter Canchaya (Lima)

Lima, Octubre del 2007

Cine Arte de San Marcos
(511) 619-7000 anexo 5211
www.unmsm.edu.pe/cinearte
cinearte.ccsm@unmsm.edu.pe
Av. Nicolás de Piérola 1222, Parque Universitario -Centro Histórico de Lima
Revista de Cine Butaca – BUTACAenlínea: http://www.butacaenlinea.tk/

Conversatorios para el Tercer FAE

octubre 23, 2007
nota de prensa
Estas son las conversatorios que se realizarán en el marco del 3er. Festival Audiovisual Estudiantil, en el Auditorio del Centro Cultural de San Marcos desde el martes 06 al viernes 09 de noviembre.

El ingreso a ellas es libre previa inscripción:

Opción 1:
Tema: Producción y Dirección
Expositoras:

Pilar Roca: Productora de cine de catorce largometrajes de ficción entre los cuales figuran Túpac Amaru – récord de taquilla en exhibición cinematográfica en Lima-, Kuntur Wachana, Laulico, entre otros. Un sinnúmero de documentales y trabajos audiovisuales fundamentan su profesionalismo como comunicadora social. Fundadora del grupo Kuntur. Periodista y escritora.
María Ruiz: Directora, editora y productora de cine. Tiene en su haber cortometrajes y largometrajes entre los que destacan Asia, el culo del mundo (largometraje), Los Chapis (largometraje), Porka Vida (largometraje). Momentos (cortometraje) entre otros. Actualmente codirige junto a Juan Carlos Torrico la Productora Películas del Pacífico.
Martes 06, de 7.00pm a 9.00pm

Opción 2:
Tema: Edición
Expositor: Germán Paredes:

Comunicador Audiovisual especializado en edición y post producción de video con varios años de experiencia en el medio. Conocimiento de arquitectura y ensamblado de sistemas de edición no lineal. Gerente general de la empresa Media Solutions Perú. Docente de las universidades Federico Villarreal, Alas Peruanas, de ESUTEL, de INICTEL, Universidad Daniel Alcides Carrión – Pasco -. Ha publicado el libro: Edición y Post Producción Digital –2005-.
Miércoles 07, de 7.00pm a 9.00pm

Opción 3:
Tema: Guión
Expositor: Frank Pérez-Garland

Director de cine. En el 2001 estrenó el cortometraje de ficción Mejor mañana en el Festival de Cortometraje Expecta CADE (Lima), logrando el Premio del Público al mejor cortometraje. En el 2003 escribe y dirige No eres tú, cortometraje que junto a Mejor Mañana se hacen acreedores a los premios CONACINE de Perú entregados en el 2004. En el 2005 co-escribió, editó y dirigió su primer largometraje, Un día sin sexo, película que obtuvo el premio a mejor Opera Prima en el 46avo Festival de Cine de Cartagena en el 2006 y en el 1er Festival Latinoamericano de Oaxaca, México en el 2007. En el 2007 estrena, como co-creador y director, Mi problema con las Mujeres, una serie para la televisión que no sólo ha sido vista en el Perú, sino que ha sido vendida en distintos países de Latinoamérica como Venezuela, Bolivia, Ecuador y México. Profesor del curso de guión en destacadas instituciones educativas de Lima.
Jueves 08, de 7.00pm a 9.00pm

Opción 4:
Tema: Sonorización de productos audiovisuales
Expositora: Rosa María Oliart

Sonidista cinematográfica. Ha realizado la banda sonora y el sonido directo de numerosos largometrajes peruanos y extranjeros entre los cuales destacan, Una sombra al frente, Postales de Leningrado, El acuarelista, La prueba. Es docente universitaria en sonido en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Actualmente es la Presidenta de CONACINE.
Viernes 09, de 7.00pm a 9.00pm

Armando Robles en Festival Video Zero

octubre 22, 2007
nota de prensa

El cineasta Armando Robles Godoy asistirá al Festival de Cortometrajes Escolares y Juveniles Video Zero

En el marco de las actividades que se realizarán por el V Festival Internacional de Cortometrajes Escolares y Juveniles, denominado VIDEO ZERO (del 22 al 26 de octubre), se tendrá como invitado especial al cineasta Armando Robles Godoy, destacado realizador de largometrajes como Ganarás el pan (1964), En la selva no hay estrellas (1968), Muralla verde (1970), Espejismo (1972), Sonata soledad (1987), Imposible Amor (2003, primer largometraje peruano grabado en sistema digital), y una gran cantidad de cortometrajes documentales.

La cita se llevará a cabo el día miércoles 24 de octubre a las 6:00 p.m. en el auditorio del Centro Cultural de San Marcos.

El ingreso es libre.

Sobre la antesala del 3er FAE

octubre 18, 2007

comunicado

Estimados participantes del 3er. FESTIVAL AUDIOVISUAL ESTUDIANTIL

Nos ponemos en contacto con ustedes a fin de informarles que, por razones que escapan a nuestra voluntad, la organización del 3er. FAE ha dispuesto que las actividades programadas para este evento sean replanteadas por lo cual, se ha cancelado el evento denominado ANTESALA DEL 3ER. FAE, programado para el día 19 de octubre.

Los eventos que se mantienen en marcha son los siguientes:
– El concurso: exhibición de los cortos en competencia y en muestra.
– Conferencias
– Conversatorios
– Taller de fotografía para Cine y Video y
– Ceremonia de clausura y premiación de los cortometrajes ganadores.

Adjuntamos la programación de actividades y, en esta semana, estaremos publicando la programación de cortometrajes participantes (DESCARGAR PROGRAMACIÓN EN EXCEL).

Esperando su comprensión y atentos a cualquier duda y/o inquietud.

Atte.

La organización.
3er. Festival Audiovisual Estudiantil
Cine Arte de San Marcos.
6197000 axo 5211
cinearte.ccsm@unmsm.edu.pe

Taller de fotografía para cine y video

octubre 16, 2007
nota de prensa

Taller de cine dictado por Pili Flores Guerra en San Marcos

Pili Flores Guerra, quien cuenta con una larga trayectoria en realización cinematográfica, dirigirá un taller de fotografía para cine y video en el Centro Cultural de San Marcos, en el marco del Tercer Festival Audiovisual Estudiantil.

El taller se realizará del martes 06 al viernes 09 de noviembre del presente año en el Centro Cultural de la Universidad.

Los asistentes del taller compartirán opiniones acerca de encuadre, movimiento, color, clima, a partir de situaciones concretas vividas y resueltas por el fotógrafo a lo largo de su experiencia personal en cine y video; además de material visual sobre trabajos fotográficos importantes para analizar propuestas y resultados.

El taller de fotografía se llevará a cabo en el Auditorio del Centro Cultural de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos sito en la Av. Nicolás de Piérola 1222, Centro Histórico de Lima y el horario será de 10:00am. a 1:00pm.

El costo es de S/. 75.00 –alumnos y docentes de San Marcos– y S/. 100.00 – público en general-. El depósito e inscripción se realizará en el CCSM.

JOSE LUIS LEOPOLDO FLORES GUERRA LUQUE
(PILI FLORES-GUERRA)
(Director/Productor/Director de Fotografía)

FORMACIÓN:

Estudios de Ingeniería Electrónica, Universidad Peruana de Ciencias y Tecnología(1966-1969).
Prácticas cinematográficas en Consolidated Film Industries, Hollywood, California. (1975 y 1976)
Edición y Post Producción de imagen y sonido en Cine Film 71 y Bolivar Films de Caracas, Venezuela. (1977)
Post Producción de imagen y sonido en Laboratorios Alex de Buenos Aires. (1978)
Laboratorio cinematográfico (Proceso Chemtone) en TVC de New York, N.Y. (1979)
Ampliación 16 a 35mm con David Leitner en Du Art Film Labs de New York, N.Y. (1980)
Post Producción de imagen Cinematográfica en Du Art Film Labs de New York, N.Y. (1996)

EXPERIENCIA PROFESIONAL:

LARGOMETRAJES
– “Muerte al Amanecer” (1976) de Francisco Lombardi
Asistente de Dirección y Editor.
– “Cuentos Inmorales” (1978) de Lombardi, Tamayo, Huayhuaca y Flores-Guerra
Director, Director de Fotografía y Editor.
– “Muerte de un Magnate” (1979) de Francisco Lombardi
Director de Fotografía
– “Abisa a los Compañeros” (1979) de Felipe Degregori
Asesor de Producción, Guionista Técnico, Asistente de Dirección, Director de Fotografía y Editor.
– “Aventuras Prohibidas” (1980) de Tamayo, Huayhuaca y Llosa
Productor Asociado, Director de Fotografía y Editor.
– “Maruja en el Infierno” (1982) de Francisco Lombardi
Director de Fotografía.
– “La Ciudad y los Perros” (1984) de Francisco Lombardi
Director de Fotografía.
– “Fire in the Amazon” (1989) de Luis Llosa.
Director de Fotografía.
– “Welcome to Oblivium” (1989) de Augusto Tamayo
Asistente de Dirección
– “Crack Down” (1990) de Luis Morneau.
Director de Fotografía.
– “800 Leagues Down the Amazon” (1991) de Luis Llosa
Director de Fotografía.
– “Full Phaton Five” (1992) de Carl Franklin
Director de Fotografía.
– “Caídos del Cielo” (1993) de Francisco Lombardi
Supervisor de Edición.
– “Sin Compasión” (1995) de Francisco Lombardi
Director de Fotografía.
– “Pasajeros” (2006) de Andrés Cotler (En Post-Producción)
Director de Fotografía.
– “Vidas Paralelas” (2007) de Rocío Lladó (En Rodaje)

CORTOMETRAJES.
-Documental y/o Ficción, como Director y/o Director de Fotografía, aproximadamente cuarenta (40) entre 1974 y 2006.
Un 50% en cine y un 50% en video (Analógico, Digital y HD)

TELEVISIÓN.
– Diseño de Iluminación y propuesta fotográfica para Telenovelas.
– De Julio de 2003 a Noviembre de 2006, Productor General del programa periodístico
“La Ventana Indiscreta” de Canal 2, Frecuencia Latina de Lima, Perú
– Director de “Tiro de Gracia” (2006), Miniserie de 10 capítulos para Iguana Producciones. Canal 4 de Lima
– Director de “Los Petizos” (2007), Miniserie de 25 capítulos para Imizu S.A.C. Canal 2 de Lima

PUBLICIDAD.
Aproximadamente 500 spots publicitarios.
De 1980 a 1996 como Director y Director de Fotografía y de 1997 a 2006 exclusivamente como Director.
Clientes Importantes: Pepsi Cola (mercado sudamericano y europeo), Tabacalera Nacional (Cigarrillos Ducal, Master, Hamilton y Winston), Lacteos Gloria, Bayer-Perú, D’Onofrio, Ariel, Toyota, Mazda, Coca Cola, Fanta, Samsung, Ace, Nescafé, BBVA-Continental, Molitalia, Kanú, Sapolio, Arroz del Norte, Chocolates Costa, Diners, etc.

OTROS.
– Diseño de iluminación para teatro.
– Diseño de iluminación para exposiciones de arte.
– Dirección y Fotografía de Video Clips.

DOCENCIA.
– Fotografía Cinematográfica en la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Lima.
– Taller de Dirección de Spots Comerciales en la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la U.P.C.
– Conferencias en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos de Lima.

ACTIVIDAD EMPRESARIAL.
– Socio-Director de Producciones Inca Films S. A. (1979-1996)
– Director de Producción de Publicistas Asociados S.A. (1982-85)
– Director Gerente de Productora Documenta S.A. (1985-87)
– Director Gerente de Inca Films Productora y Publicidad S.A. (1994-2001)
– Productor General del programa periodístico “La Ventana Indiscreta” coproducido por Agenciaperú y Canal 2, Frecuencia Latina. (2003-2005)

ACTIVIDAD GREMIAL.
– Fundador del Sindicato de trabajadores de la Industria Cinematográfica.
– Fundador de la Asociación de Cineastas del Perú
– Miembro de la Asociación de Productores del Perú

ACTIVIDAD OFICIAL.
– Miembro del Consejo Directivo de la Comisión Nacional de Cinematografía (CONACINE), elegido democráticamente por el gremio cinematográfico por el periodo 2007-2008
[+/-] Sigue Leyendo…

Para mayores informes, visitar, escribir o llamar a:
www.ccsm-unmsm.edu.pe/cinearte / cinearte.ccsm@unmsm.edu.pe
www.festivalaudiovisualestudiantil.blogspot.com / www.butacaenlinea.tk
Telf. 6197000, anexo 5211

Festival de Cine Peruano de París

octubre 15, 2007
colaboración desde Francia ROXANA NARANJO GAMARRA

BUTACAenlinea te acerca a los eventos relacionados al cine peruano en el mundo. Esta vez te brindamos algunos adelantos del Festival de Cine Peruano de París. Información que nos envía nuestra colaboradora Roxana Naranjo Gamarra.

La 4.ta edición del Festival de Cine Peruano de París se realizará del miércoles 14 al martes 20 de noviembre del 2007 en la mencionada capital de Francia. La inauguración del importante evento cinematográfico será el miércoles a las 19, au Cinéma des Cinéastes. Este festival es organizado nuevamente por la Asociación “Perú Pacha”.

Todos los días desde las 1600hrs se exhibirán películas en competición y panorama.
Este año, el Festival presenta una treintena de películas entre largometrajes y cortometrajes.
El realizador Pierre Richard es el padrino de esta edición del Festival y Michel Levieux, periodista y crítica de cine a la Humanidad, es el Presidente del jurado de las películas en competición.

Entre los invitados de Perú se encuentran el realizador Augusto Tamayo (Una sombra al frente) y la actriz Melania Urbina que participa en películas presentadas en este festival (Mariposa negra, Un día sin sexo, La Gran Sangre), reconocida también como la mejor interpretación femenina en el Festival de Biarritz y Málaga.

El martes 13 de noviembre a 1900hrs en la sala de la UNESCO tendrá lugar la sección al honor: “Cine del pueblo indígena de América Latina”, estreno presidido por el ex secretario de la ONU el Sr. Javier Pérez de Cuellar.
Numerosos organismos trabajan en América Latina desde hace 15 años, efectuando un profundo trabajo de terreno gracias a la creación de una escuela de cine indígena.

El Festival se asoció al “Festival Anaconda de pueblo indígena”, en colaboración con el CLACPI (Coordinadora Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas), con el fin de hacer eco en París del dinamismo y la creatividad de estos equipos y realizadores indios.

Destacará también la sección especial “Francofonía”: proyecciones de películas de realizadores francesas sobre América Latina, seguidas de debates, la huésped especial es Jan Kounen, quien participará de una corta presentación sobre el tema de los Chipibos (Amazonia peruana).

Largometrajes en competencia:
Una sombra al frente, de Augusto Tamayo
Talk Show, de Sandro Ventura
Mariposa negra, de Francisco Lombardi
La Gran Sangre, de Jorge Carmona
Un día sin sexo, de Frank Pérez-Garland

Documentales en competencia:
El país de los saxos, de Sonia Goldenberg
Sueños lejanos, de Alejandro Legaspi
Peces de ciudad, de Felipe Degregori
Tambogrande, de Ernesto Cabellos y Stephanie Boyd
Los visitantes, de Henry Rodríguez
Cuando las águilas se reencuentran con los cóndores, de César Galindo

Cortometrajes en competencia:
A china el golpe, de Eduardo Mendoza
Carretillas Driver, de Fernando Torres
Sueños de América, de Danny Céspedes
Chullachaqui, de Dorian Fernández-Moris
Los gigantes, Alcibiades y el bosque de piedras, de Miguel de la Barra
Allá lejos y hace tiempo, de Anaï Guayamares
Web Site Story, de Luis Isasi

Trailer del Festival:

Actividades anexas del festival:
Paralelamente se realizarán exposiciones en el vestíbulo del Cine de los Cineastas del miércoles 14 al viernes 30 de noviembre, Pintura: “concierto latino” todas las noches de 1800hrs. a los 2000hrs.
Música ecuatoriana, brasilera, peruana, boliviana y mexicana.
En el bar se encontrarán degustaciones de vinos Latinoamericanos y cóctel peruano con Pisco Sour.

Cinéma des Cinéastes.
7 avenida de Clichy 75017 París.
Parking rue Forest Metro Lugar de Clichy
Información:Suscripción al festival / Contactar: Perú Pacha
festival@peroupacha.com http://www.peroupacha.com/

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Los doce mandamientos de Akira Kurosawa

octubre 10, 2007
tradución de ELÍA NAHMÍAS
publicado en REVISTA BUTACA Nº 31

Algunas reflexiones para jóvenes cineastas:

1] ¿Qué es el cine? La respuesta a esta pregunta no es una cuestión sencilla. Hace tiempo el novelista japonés Shiga Naoya presentó en una revista literaria un ensayo escrito por su nieto como una de las piezas más importantes de su tiempo. Se titulaba Mi perro y decía así: “Mi perro se asemeja a un oso; también se asemeja a un tejón; también se asemeja a una zorra…”. Y procedía a enumerar las características especiales del perro, comparando cada una con otro animal, desarrollando una lista completa del reino animal. Aunque el ensayo cerraba con, “Pero como él es un perro, a lo que más se asemeja es a un perro”. Recuerdo que me reí a carcajadas cuando leí este ensayo, pero tiene un punto serio. El cine se asemeja a muchas otras artes. Si el cine tiene características muy literarias, también tiene cualidades teatrales, un lado filosófico, atributos de la pintura y escultura y elementos musicales. Pero el cine es, en un análisis final, cine.

2] El papel del director de cine comprende: el manejo de los actores, la fotografía, la grabación del sonido, la dirección artística, la música, la edición, la regrabación y mezcla de sonido. Aunque estas tareas pueden ser pensadas como independientes, yo no las veo como independientes, las veo fundirse en la cabeza del director.

Un director de cine tiene que convencer a un gran número de personas para que lo sigan y trabajen con él. Aunque ciertamente no soy un militar, si se compara la unidad de producción con un ejército, el guión es una bandera de batalla y el director es el comandante en línea del frente. Desde el momento en que la producción comienza hasta que termina, no se puede predecir lo que va a suceder. El director debe ser capaz de poder responder a cualquier situación y debe tener la habilidad del liderazgo para que toda la unidad esté de acuerdo y siga todas sus soluciones.

3] Con un buen guión un buen director puede producir una obra maestra; con el mismo guión un director mediocre puede hacer una película pasable. Pero con un guión malo ni siquiera un buen director puede hacer una película buena. Para una expresión cinematográfica verdadera la cámara y el micrófono deben estar capacitados para atravesar por fuego y agua. Esto es lo que realmente hace una película. El guión debe ser algo que debe tener la fuerza para lograr esto. Una buena estructura para un guión es la de la sinfonía, con sus diferentes tempos. O uno puede usar la forma del Noh con su estructura en tres partes: jo (introducción), ha (destrucción) y kyu (abreviación). El Noh es verdaderamente una forma única de arte que no existe en ningún otro lado del mundo. Creo que el Kabuki, que lo imita, es una flor estética; pero en un guión, creo que la estructura sinfónica es la más fácil de entender para la gente de hoy.

4] Para escribir guiones, primero hay que estudiar las grandes novelas y dramas del mundo. Y se debe considerar por qué son grandiosas. De dónde viene la emoción que uno siente cuando las lee. Qué grado de pasión hubo de tener el autor, qué nivel de meticulosidad tuvo que dominar para retratar a los personajes y situaciones como lo hizo. Usted debe leer esas obras constantemente, al punto que pueda comprender todo esto. Usted también debe ver las grandes películas. Debe de leer los grandes guiones y estudiar las teorías del cine de los grandes directores. Si su meta es convertirse en director de cine, usted debe dominar la escritura cinematográfica.

5] He olvidado quién dijo: “Creación es memoria”. Mi propias experiencias y las varias cosas que he leído que quedan en mi memoria se convierten en la base a partir de la cual creo algo nuevo. No lo podría hacer de la nada. Por esta razón, desde el tiempo en que era joven he tenido siempre un cuaderno a la mano cuando leo un libro. Escribo mis reacciones y lo que particularmente me mueve. Tengo montones y montones de estos cuadernos y cuando voy a escribir un guión, eso es lo que leo. En algún momento me ayudan. Hasta para simples líneas de diálogo, he tomado sugerencias de esos cuadernos. Lo que quiero decir es: No lea libros mientras esté echado en la cama.

6] Algo en que se debe tener particular atención es el hecho de que en los grandes guiones existen muy pocos pasajes explicativos. Agregar explicaciones a los pasajes descriptivos de un guión es la mayor trampa en que uno puede caer. Es fácil explicar el estado psicológico de un personaje en un momento particular, pero es muy difícil explicarlo a través de los delicados matices de la acción y el diálogo. Aunque no imposible. Gran parte de esto se aprende a través del estudio de las grandes obras de teatro, y creo que de los refritos de las novelas de detectives que pueden ser también muy instructivas.

7] Durante la filmación de una escena, el ojo del director tiene que captar hasta el más mínimo detalle. Esto no significa echar feroces miradas al set. Cuando las cámaras están filmando, raramente veo directamente a los actores, enfoco mi mirada hacia otro lado. Haciendo esto, siento inmediatamente cuando algo no está bien. Observar algo no significa poner la mirada fija sobre eso, sino estar consciente de eso de una manera natural. Creo que era eso lo que quería decir el dramaturgo medieval y teórico del Noh Zeami cuando decía: “Observando con la mirada apartada”.

8] Mucho se habla del hecho de que yo uso más de una cámara cuando filmo una escena. Esto empezó cuando estaba haciendo Los siete samuráis, porque era imposible predecir qué sucedería en la escena donde los bandidos atacan al pueblo mendigo durante una fuerte tormenta. Si lo hubiera filmado con el tradicional método de toma-por-toma, no existiría garantía de que ninguna toma pudiera ser repetida de la misma manera dos veces. Así que usé tres cámaras rodando simultáneamente. El resultado fue extremadamente efectivo. Por eso decidí explotar esta técnica plenamente, también en dramas con menos acción, y luego lo usé en Ikimono no kiroku (Si los pájaros vivieran). Cuando hice Los bajos fondos estaba enteramente usando el método de una toma-por-escena. Trabajar con tres cámaras simultáneamente no es tan fácil como puede parecer. Es extremadamente difícil determinar cómo moverlas. Por ejemplo, si la escena tiene tres actores en ella, los tres están hablando y moviéndose libre y naturalmente. Desde enseñar cómo las cámaras A, B y C se mueven para cubrir la acción, hasta la completa continuidad del cuadro, es insuficiente. Ni el operador de cámara estándar entiende un diagrama de los movimientos de cámara. Creo que en Japón los únicos fotógrafos que pueden son Nakai Asakazu y Saito Takao. Las tres posiciones de cámara serán completamente diferentes al principio y al final de cada plano, porque entre ambos momentos ocurren varias transformaciones. Como sistema general, pongo la cámara A en las posiciones más ortodoxas, la cámara B para rápidos movimientos decisivos y la cámara C como un tipo de unidad guerrillera.

9] La tarea de los técnicos de iluminación es extremadamente creativa. Un iluminador realmente bueno tiene su propio plan que, por supuesto, tiene que discutir con el fotógrafo y el director. Pero si no pone en marcha su propio concepto, su trabajo se convierte nada más que en iluminar todo el cuadro. Creo, por ejemplo, que el método actual de iluminación para película de color está equivocado. Con tal de obtener los colores, se llena todo el cuadro de luz. Siempre he dicho que la iluminación debe ser tratada como si fuera película en blanco y negro, aunque los colores sean fuertes o no, para que las sombras salgan bien.

10] A veces se me acusa de ser muy minucioso con los sets y la utilería, de mandar a hacer cosas solo por el bien de la exactitud. Eso nunca aparecerá en la cámara. Y aunque yo no lo pida, mi equipo lo hace por mí de todas maneras. El primer director japonés que pidió autenticidad en los sets y la utilería fue Mizoguchi Kenji y los sets en sus películas son realmente asombrosos. Aprendí mucho del oficio cinematográfico de él. Construir los escenarios está entre las cosas más importantes. La calidad de los sets influye en la calidad del trabajo de los actores. Si la disposición de una casa y el diseño de las habitaciones están hechos correctamente, los actores podrán moverse naturalmente.

11] El requisito más importante para editar es objetividad. No importa cuánta dificultad se tuvo en obtener un plano en particular. El público nunca lo sabrá. Si no es interesante, simplemente no es interesante. Uno puede haber estado lleno de entusiasmo durante la filmación de un plano en particular, pero si ese entusiasmo no se ve en la pantalla uno debe ser lo suficientemente objetivo para cortarlo.

12] Editar es verdaderamente un trabajo interesante. Cuando llegan los rushes (las tomas del laboratorio) raramente se los enseño a mi equipo, tal como vienen. En cambio, voy al cuarto de edición cuando la filmación del día ha terminado, con el editor paso como tres horas editando los rushes. Solo después los muestro a mi equipo. Es necesario enseñarles el material editado por el bien de despertar su interés. Algunas veces no entienden lo que están filmando o por qué tienen que pasar diez días para obtener un determinado plano. Cuando ven el material con los resultados de su trabajo eso los hace recuperar el entusiasmo. Y editando mientras trabajo, solo tengo que afinar para completar cuando la filmación ha terminado.>>Ver Completo

Trailer de la película de Futurama

octubre 9, 2007
noticia

La cadena Fox tiene programado lanzar al mercado en el mes de noviembre la primera película de la serie animada de ciencia ficción Futurama. La serie, que es obra del creador de Los Simpson, Matt Groening, atraviesa por su quinta temporada y ya se encuentra en la elaboración de 16 nuevos capítulos para la siguiente.

A diferencia de Los Simpson, esta película no será llevada a los cines, si no lanzada directamente en cuatro devedés (DVD).
El primer DVD en salir será Bender’s Big Score, que estará en los puntos de ventas a partir del 27 de noviembre (en Estados Unidos) y los tres restantes, el año próximo.

Y así como en los Simpsons (sic) nunca faltan las estrellas invitadas, Futurama no puede ser menos. En este largometraje podremos ver la participación del vicepresidente de los Estados Unidos, Al Gore, a la humorista Sarah Silverman y al rapero Coolio (VÍA: ZAPPING.COM)

La trama de la película que nos proporciona WIKIPEDIA.COM es la siguiente:

Antes de la Navidad del 3007, la tripulación de Planet Express deberá luchar contra los cyber-timadores nudistas de Internet. Los cyber-timadores lanzan un ataque, la tripulación de Planet Express descubre algo asombroso, el secreto de los viajes en el tiempo que tiene tatuado Fry en las nalgas. Usan un Software de Bender para que en el pasado Bender robe monumentos en la tierra. Bender realiza destrozos que más tarde repercutirán en el 2000 cuando se está por elegir candidatos a presidente. Mientras que Leela encuentra un verdadero amor, un miembro de la tripulación (Hermes) sufre una decapitación, mientras que Fry descubre los secretos del tatuaje de su nalga.

Acá el tráilier:

Beethoven, Monstruo Inmortal: Regreso al hombre

octubre 9, 2007
comenta VÍCTOR MIGUEL SÁENZ

La capacidad de percepción del hombre nos limita a un número reducido de experiencias. Existen así procesos y fenómenos en la naturaleza de los que tenemos conocimiento sólo en teoría, o de manera referencial por aquellas partes del “todo” a las que tenemos acceso.

A lo largo de la historia encontramos constantes luchas en el ser humano por trascender estas limitaciones, ya no solo de percepción sino además de comprensión de ese todo. Se trata del eterno intento del hombre de romper la soledad de su ser, abrazándose a la conciencia de que es parte de algo más importante que él mismo en su sola existencia. Y en esa búsqueda perpetua es que avanza la civilización, en la creación de instrumentos que nos permitan, no solo una vida más extensa y plena de satisfacciones respecto a nuestras necesidades inmediatas, sino también una mejor captación y comprensión de lo que somos y de nuestra circunstancia. En ese sentido es que desarrollamos la filosofía, el arte, la ciencia y la técnica.

Y en ese mismo sentido, valorando nuestros logros en esa batalla histórica, es que llenamos páginas en nuestros libros para recordar y enaltecer a aquellos de nuestros congéneres quienes logran, siquiera momentáneamente –o ilusoriamente-, romper la brecha que nos separa de la universalidad.

Uno de esos casos es el de Ludwig Van Beethoven, notable compositor alemán, a cuya vida nos pretende acercar la película de Agnieszka Holland, Beethoven, Monstruo Inmortal (Copying Beethoven, 2006).

El argumento del filme es una historia ficticia que aborda la última etapa de la vida del músico, a partir de los días previos al estreno de la Novena Sinfonía. Entendamos entonces que no se trata de un registro detallado de su carrera ni de los hechos más saltantes de su vida, sino de una exploración, un acercamiento a la figura de Beethoven (Ed Harris) y a lo que –en todo caso- la directora entiende subyace bajo la imagen de su mentada monstruosidad.

El método para ese acercamiento es sencillo: un joven, músico también (lo que nos da un punto de partida para involucrarnos en el proceso creativo del genio) que llega a la vida de La Bestia justo en el momento en que prepara una de sus obras maestras. Pero demosle un elemento dramático a este acercamiento, que el joven músico sea mujer: Anna Holtz (Diane Kruger), y no solo que sea joven y atractiva, sino que además tenga y proyecte autodeterminación, para que las tensiones que todas estas características generen ayuden a retratar una época, y nos acerquen de una manera interesante al hombre.

Ahora bien, todo buen relato debe tener, como mandan los cánones de quienes escriben relatos, un elemento de conflicto que propicie el desenvolvimiento de los personajes, que desencadene los hechos a relatarse y que sirva para generar en los protagonistas un cambio al final.

Dejamos establecido que el propósito de este largometraje es un acercamiento al ser trascendente de Beethoven. Explotar la tensión sexual entre los dos protagonistas y orientar la historia hacia la consumación de esa apetencia, nos alejaría de ese propósito y sería, por otra parte, mezquino.

El conflicto ha de ser otro, un poco menos mundano: la incomunicación entre el genio y su entorno, donde Anna Holtz es a su vez catalizador y vía de escape. Catalizador en tanto que ella, si bien muestra cierta afinidad con el maestro, no es capaz por sí misma de entender por completo el rumbo que sigue su proceso creador (¿Hacía donde va él insistiendo en la composición de obras que otros encuentran simplemente de mal gusto?); y vía de escape porque, precisamente en base a esa afinidad, al entendimiento que tiene de la actividad que desarrolla, y por sus virtudes propias, será ella quien motive al incomprendido artista a reencontrarse con el mundo, y dejarnos en legado el alcance de su comprensión de ese “todo” al que aludimos en un comienzo.

Describimos hasta aquí una obra muy distinta a las demás en intención comunicante, altamente recomendable además. Pero entre intención comunicante y resultado final hay generalmente diferencias que elevan o reducen la calidad del producto. ¿Encontramos esas diferencias en este filme? Sí. ¿La calidad del largometraje decae con esas diferencias? En parte.

La meta que persigue toda producción audiovisual proyectada en un écran es generar una reacción en el público espectador. No solamente entre un grupo selecto; mucho menos para gusto solo del realizador (cosa que recuerdo decía muy orondo un director peruano, consumado artista del celuloide, de tanta relevancia en la cinematografía nacional como su sagaz afirmación “yo hago películas sólo para mí”).

Para alcanzar esta meta, generar la reacción deseada, el realizador se vale de recursos tanto en el desarrollo de la historia como en la exposición audiovisual de la misma. Parte de estos recursos se consolidan en el entramado de la historia central con anécdotas que la revitalizan a todo lo largo del filme.

La historia del sobrino, Karl (Joe Anderson), parte importante en la vida de Beethoven, entra a tallar en el filme como elemento referencial al desencuentro del protagonista con el mundo. El conflicto acá, nacido de la imposibilidad del compositor de conectar sus ideales con la realidad, le llevan a la imposición de su criterio aún por encima de la voluntad de su sobrino, a quien ama. Tremenda es la potencia dramática de esta historia, que podría ser tema de una película aparte, incluso. Y sin embargo su exposición y conclusión es tan débil, que bien podría ser eliminada toda esa parte de la historia sin mayores consecuencias. Y en una obra que se pretenda de calidad, lo que no aporta, estorba.

Por otro lado, no se puede uno lamentar, como por ahí ha hecho alguno, de que no se pudiera incluir la Novena Sinfonía completa en la parte correspondiente al estreno. A fuerza de no cansar al espectador, es necesario hacer una selección de las partes a mostrar. Entra aquí la mano y el ojo del realizador para construir un momento de clímax audiovisual con retazos de una obra maestra. Tarea de gran complejidad, por cierto, llevada a cabo con poca fortuna, a mí entender.

Holland nos entrega un conflicto válidamente expuesto (y verídico además): la casi total sordera de Beethoven no le va a permitir dirigir la orquesta en el estreno, como es su voluntad (cosa que efectivamente hizo en el estreno de la Séptima Sinfonía, con tristes resultados; anécdota sacada de su contexto para enriquecer la trama). El problema no es la anécdota, sino la manera de contarla en imágenes. La música, con toda su belleza, no es -como debería- un elemento de la historia; es un marco al vínculo entre maestro y discípula, vínculo que a su vez se deja de apreciar con corrección cuando los protagonistas se dejan llevar y caen en gestos sobreactuados para dar realce a la ejecución de la sinfonía; y, al final, marco y anécdota compiten regalándose protagonismo el uno al otro, haciendo de una escena que pudo ser sublime un momento que no termina de cuajar nunca.

Magistral, en cambio, la escena en que el maestro, ya enfermo, dicta a la copista las notas de su siguiente obra, y nos transmite la belleza de la pieza en creación y, más aún, la belleza de un proceso que no cierra pues no existen notas para codificar lo que el artista expresa y, sin embargo, alcanzamos a comprender.

En la complicidad de ese trabajo conjunto de Beethoven y Holtz entramos en contacto con el artista y el filme cumple entonces con su objetivo.

Casi tan constante como la búsqueda del hombre de una mayor comprensión de su naturaleza en todo sentido, hallamos un fenómeno que ocurre con aquellos que logran acercarse un poco más a esta meta, y que es inverso al reconocimiento, exaltación y recordación señalados. Quienes en determinado momento logran elevarse un poco más que los demás, obtienen como contraparte al nivel alcanzado, la incomprensión de aquellos quienes quedamos por debajo; y son entonces rechazados, y los calificamos de locos, retrasados, herejes, monstruos o bestias, etiquetas que el paso del tiempo se encargará de borrar.

Quedan, sin embargo, a menudo, a pesar del buen recuerdo y el homenaje posterior, con el estigma de inaccesibles para quienes nos resignamos a no mirar más allá.

Agnieszka Holland nos regala en estos 103 minutos de exploración la esencia de un ser humano trascendental. Su película, sin ser perfecta, nos permite elevarnos un poco más y nos devuelve al hombre. [+/-] Sigue Leyendo…

TITULO ORIGINAL: Copying Beethoven
AÑO: 2006
DIRECTOR: Agnieszka Holland
PAÍS: EE.UU. – Inglaterra – Hungría
DURACIÓN: 104 min.
REPARTO: Ed Harris, Diane Kruger
CALIFICACIÓN BUTACAenlinea: 4/5 (Recomendable)